Nous sommes à un moment charnière de notre parcours. Ces dernières années, nous nous sommes attelés d’abord à Howard Barker, éclairant un texte de trois heures dans une forme plutôt classique puis, avec « du talent pour le bonheur » et « Judith », nous nous sommes attaqués à quelque chose de beaucoup plus intuitif et personnel. Ces deux théâtralités bien différentes sont les deux extrêmes auxquels nous devions nous confronter pour élaborer notre vocabulaire propre. Celui-ci émerge, doucement mais sûrement grâce au travail continu de ces six dernières années. "Le viol de Lucrèce " peut être le lieu où ces extrêmes se rencontrent, tout en servant ce que, lors de la création de la compagnie, en 1996, nous donnions comme leitmotiv et qui nous a guidé au long de ces années: "Nous devons parler au corps du spectateur autant qu’à son cerveau. Il faut que le plateau soit le miroir de tout ce qu’il ne peut, n’ose nommer en lui. Nous restons persuadés que la scène le permet : le spectateur peut s’identifier aux personnages, les côtoyer dans tout ce qu’ils ont d’organique, ne faire qu’un avec leur sueur, se retrouver dans leurs envies – aussi violentes et inavouables soient-elles. Et le personnage devient le double sensible du spectateur et celui-ci ressent, comprend intuitivement ce qui se passe sur le plateau. Il partage profondément les envies ( de violence, de sexe, d’amour, de mort…) du personnage et les fait siennes. Jusqu’au dégoût, jusqu’au moment où son intellect n’a plus prise, ne peut plus cautionner ses envies intimes et bestiales. C’est ce moment de rupture entre l’organique et l’intellect du spectateur qui nous intéresse. Le moment où l’identification devient douce et violente à la fois, où le philosophe et la bête se chamaillent en nous sans qu’il n’y ait de victoire possible, ni pour l’un ni pour l’autre. Ce moment est, pour nous, celui du théâtre, celui où l’on parle de l’Homme à l’Homme ”.

JOURS TRANQUILLES : UNE DEMARCHE

Lorsqu’en nous avons créé « Les 7 Lear » de Howard Barker en 2001, nous découvrions le texte qu’il y adjoint en post-face :

Le théâtre humaniste Nous sommes tous vraiment d’accord. Quand nous rions nous sommes ensemble. L’art doit être compris. La finesse d’esprit lubrifie le message. L’acteur est un homme/une femme non différent de l’auteur. La production doit être limpide. Nous célébrons notre unité. Le critique est déjà de notre côte. Le message est important. L’auditoire est cultivé et il rentre chez lui heureux ou fortifié

Le théâtre de la catastrophe Nous ne sommes d’accord que rarement. Le rire dissimule la peur. L’art est un problème de compréhension. Il n’y a pas de message. L’auteur est d’une nature différente. L’auditoire ne peut pas saisir tout ; pas plus que ne le pouvait l’auteur. Nous nous querellons pour aimer. Le critique doit souffir comme tout le monde. La pièce est importante. L’auditoire est divisé et rentre chez lui ebranlé ou confondu

Je le cite ici, parce qu’à l’époque déjà il synthétisait nos envies. Des envies de rupture d’avec ce que Barker nomme le théâtre humaniste et qui correspondait à notre travail.

Il nous fallait passer à autre chose, trouver notre vocabulaire propre. Notre travail s’était éloigné de nous-même, de nos aspirations. Ceci signifiait qu’il fallait trouver une autre manière de se mettre en jeu. Dès lors, une fois « les sept Lear » créé nous sommes rentrés en rupture avec notre manière de fonctionner.

Jusque là nos travaux dramaturgiques étaient portés avant tout sur une analyse post-brechtienne du monde. Il s’agissait d’éclairer nos contemporains sur le triste état du monde. Pour ce faire nous recourions à un montage où plusieurs textes se mettaient en perspective, où le message était clair et se voulait sans ambiguïté.

Nous pensions faire du théâtre politique alors que nous ne faisions que conforter des spectateurs acquis à notre cause dans leurs opinions. Je crois, par exemple que notre Prométhée allait dans ce sens. Cela a été un de nos plus gros succès public et c’est à mon sens notre plus mauvais spectacle.